El final de un ciclo semestral y lo que me agrada... y lo que no.

Al inicio de este semestre se me solicitó abrir este espacio cibernético para relatar por medio de la red mis experiencias y opiniones de lo que me iba aconteciendo con respecto a la materia de Fotografía. Me gusta creer que he crecido como artista por medio de la experiencia, que la práctica me ha hecho mejorar (al menos ya no tiro mi cámara), que las reprimendas en clase, las observaciones y opiniones de otros, y los consejos de mis amigos me han ayudado mucho, y que el contacto con este arte tan complejo (que es la Fotografía), tan cambiante y tan contradictorio, me ha abierto la mirada a la competencia real al mundo, a las amenazas y beneficios de los medios, a la mirada abierta a la belleza independientemente del lugar o la situación y a la estética del mundo y la crudeza de la realidad. Un poco, claro, no he madurado lo suficiente para entenderlo todo.

Hemos leído ensayos muy buenos, hemos revisado artistas excelentes, hemos repasado puntos importantes y reparado en discrepancias enormes y horribles entre la realidad y la visión.

He mejorado, es un hecho, he fallado y crecido. No creo tener talento para esto (¡adiós a mi sueño de trabajar para National Geograophic!), pero sencillamente es necesario aprender a tomar fotografías, y más para una aspirante a Artista Visual... jah.

Ahora que los medios abundan y que cualquiera puede ser fotógrafo si quiere, la instrucción me sabe importantísima: no es lo mismo tropezar y levantarme sola a tropezar y que un profesor me guíe para salir bien parada. Una debe de contar con todo el apoyo del que pueda asirse. 

Las clases son un tanto estresantes cuando el profesor se encuentra de mal humor, pues es de por sí, una persona seria y enfocada totalmente en su profesión. Más, cuando se encuentra alegre y compasivo, y se muestra amigable con nosotros, las lecciones se tornan interesantes y sumamente agradables. Definitivamente se trata de una persona carga de conocimientos bastante amplios. Como catedrático es bastante bueno: explica y aterriza los puntos de manera inmediata. Tiene mucho material, puede dar mil ejemplos, posee todo tipo de información acerca de marcas, climas, lugares y situaciones. Nos habla de luz y colores, de efectos, de trazos imaginarios, de líneas agradables, en fin, de un mar de cosas interesantes.

Sus evaluaciones me agradaron: resultaron tener sentido y ser justas en cuanto a las actividades y dado que nuestro tiempo era muy limitado, los resultados salieron favorables. Al evaluar a cada quién de acuerdo a su desempeño personal, nos permitió darnos cuenta de si mejorábamos o no. 

A pesar de ser severo en ocasiones, nos permitía expresarnos y ponía atención en nuestros comentarios así fuese a negarlos más tarde. Respondía a nuestras dudas con el debido respeto y a la brevedad posible y nunca dejó inconclusa una discusión.

La clase era pesada, pues al contrario de los demás talleres, era más teórica, la tarea era más compleja y las labores más numerosas. Pero no podía ser de otra manera dado el tiempo que teníamos a la semana, y por la manera en la que las actividades estaban planeadas, dio resultado. Las conferencias (que se comentaron en este mismo blog con anterioridad) servían como apoyo en ocasiones, estaban directamente relacionadas con los temas y eran, en gran parte de las ocasiones, pláticas interesantes y bastante bien estructuradas.

Puesto que no esperaba nada en concreto de la clase más que aprender, no puedo decir que esté decepcionada de ella, pero es un hecho que me siento satisfecha porque aprendí muchas cosas y ese simple hecho me alegra un tanto. 

Temo con emoción tangible el siguiente semestre, pues mi contacto con los medios es prácticamente nulo y por ello siento que se me va a dificultar demasiado la materia de Vídeo. En ese caso habré de solicitar asesoría al profesor.

Fuera de esos comentarios poco hay que pueda mencionar. No tengo talento para esto, pero la experiencia fue agradable y enriquecedora. Gracias a mi profesor, a sus comentarios, a sus materiales, y los compañeros que me ayudaron cuando la cámara me hizo la vida de cuadritos.

Ana C.C.

Lo obsesivo y el Artista: Impresión y los mil peros.

Durante la conferencia pasada que tuvo lugar en el SUM, liderada por el profesor Marco, ayudante y amigable conocido del profesor DiCastro de Fotografía, se habló de los errores de impresión, de la interpretación de los colores según los distintos dispositivos fotográficos e impresoras, de la calidad de los papeles y de la relación de los colores entre sí y con el material en el que se imprimen.

Marco pasó durante dicha conferencia una serie de diapositivas que ilustraban el tema, mostraban algunos errores comunes de impresión, habló de los genios impresores, de sus problemas en su trabajo, de los procesos por los que una imagen queda impregnada en el material, del efecto de los materiales y las tintas en la obra y a su vez, del efecto de la obra en el público.

Muchas cosas puedo mencionar de la conferencia: me gustó, fue agradable, entretenida y súmamente aterrizada. Marco, consciente de que la cantidad de información que debía de transmitirnos era enorme, logró minimizar la longitud de los datos a datos fijos y simples y así, en dos horas, transmitió a nosotros, su público, un tema sumamente complejo como lo es la impresión de fotografías.

"Cada dispositivo es distinto, interpreta los colores de diferente manera así se trate de los mismos modelos y de las mismas marcas. Son estas pequeñas diferencias las causantes de tantas discrepancias entre el objeto real, el objeto fotografiado y la impresión de dicha fotografía, en lo que se refiere al color de la imagen, lo que ha planteado a la comunidad publicitaria y artística un reto de magnitudes titánicas referente a la veracidad de los colores y las formas, la estética de las imágenes y el impacto de estas en el público", sintetizó.

Comentario tras el cual prosiguió a mencionar la calidad y cantidad de pixeles necesarios por pulgada para lograr imágenes de cierta calidad con referencia al tamaño de impresión de ésta, de los distintos dispositivos de Impresión y de los procesos, de la interpretación de los colores y del ajuste de tamaño de las imágenes. También se hablo de técnicas de impresión, se mencionan vagamente costos, tratamos los tipos de papeles, las calidades de tintas e impresiones y toda suerte de problemas con los que alguien que trae imágenes de los digital a lo tangible tiene que sufrir.

La cantidad de información fue tan abrumadora que no sé si describir el efecto que causó en mí, si negativo o positivo. Quedé entre maravillada y aterrada. 

Por otro lado, me dejó compadeciendo y admirando a los impresores y a las compañías impresoras. Nada queda más que darles mi respeto.

Justo en ese tiempo tenía que imprimir mis imágenes para la tarea de foto. Et terror fue, loa seguro, tangible.

Por lo demás, Marco me dejó en claro una cosa: un artista apasionado, serio y real, es un ser curioso realmente obsesivo y meticuloso con su obra, algo así como un roedor empedernido en proteger su alimento. No es ofensa, sino comentario lleno de la más pura admiración. No puedo creer que preste tanta atención a un tema, por lo demás importante, y que lleve dichas observaciones hasta el extremo de una investigación tan amplia y bien hecha como la suya. Realmente lo felicito por su capacidad de síntesis y expresión. 

Y tengo razón: un artista debe de ser obsesivo, tanto como él lo es. Seguramente será más grande de lo que se ve, y espero, llegar a tanto. 

Ana C.C.

Técnicas antiguas y creaciones no tan antiguas.

Hará ya un buen rato que se nos habló de técnicas antiguas de impresión fotográfica. Me parece que yo misma he hablado algo del tema, aunque no mucho.
Para la conferencia de esta semana se trataron las posibilidades del arte viejo de la fotografía analógica de mucho tiempo atrás. Como el daguerrotipo o las primeras gelatinas, y sus efectos chingones en la creación de imágenes.
Hay cierto gusto por la carne, por lo humano, por el error. Y eso lo dejan ver este tipo de actividades y los autores que se expusieron durante la ponencia. Se habló del proceso y del placer de ver a algo nacer. No niego que ver levantarse a la obra es algo mágico aunque terriblemente frustrante e irremediablemente inexacto. Porque somos humanos.
Nuestras invenciones, dicen, nos limitan. Las técnicas antiguas cierran el paso a las nuevas y contradictorias técnicas porque al nieto le gusta llevarle la contraria a su abuelo por puro deporte. Pero yo siento que es mentira. El hombre será siempre más inteligente dentro de la jaula cuando busque su libertad, que fuera de ella sin vivir las carencias. Los límites nos engrandecen, los límites nos obligan a ser mejores y los límites nos realzan sobre los demás. Pero insistimos en romperlos.
Estos artistas vieron en el pasado el potencial de crear cosas hermosas a partir de discos muertos. Serán dotados a ver cómo el pasado y sus procesos cobran vida para crear algo precioso.
¿Y si fragmentamos una construcción?, ¿y si hacemos el amor debajo de la mesa?, ¿y si damos a luz a un sueño?, para eso son las barreras.
Los artistas que se expusieron ese día lo dejaron en claro: somos únicos porque conocemos nuestros orígenes.
¿Y qué haremos nosotros además de dejarnos devorar por computadoras como la que uso para escribir?
Explorar, voltear al pasado y decirle a nuestros predecesores: enséñame todo lo que sepas. No te derrotaré, te superaré con la mano en tu bolsillo trasero.
Hay que avanzar sin olvidar los pasos que hemos dado o las decisiones que hemos tomado. Hay que avanzar ignorando sentimientos estúpidos y prejuicios contra el pasado que a nadie gustan. Hay que tomar fotografías y sobre todo, hay que transmitir para no morir.
Eso aprendí.

Ana C.C.

Gigante de tezontle y moronitas

Mi proyecto.

Para el proyecto de Foto cada persona eligió un tema a placer. Unos hablaron de naturaleza muerta, otros hablaron del cuerpo vivo, sus venas y articulaciones; y otros tantos de escenas más bien personales.

Yo, que soy toda una reaccionaria (según suele decirme), elegí un tema rebuscado, simple y medio inocente: Iglesias.

De todas las construcciones que existen en el Centro Histórico de la Ciudad de México, pocas se equipara en belleza e impresiones personales a la Catedral Metropolitana. Construida a lo largo de casi tres siglos, mezcla del barroco, el neoclásico, champurrado de estilos, madera cubierta en oro, historia sanguinaria y de fe. La Catedral.

No sé a quién va dedicada o por qué se edificó como se edificó. Puedo hablar de la construcción, de los detalles, de la arquitectura, pues sé de ello un tanto. Pero no me interesa.

He ido ahí mil veces y en todas he descubierto un nuevo detalle que en alguna otra visita omití. Me he mentido por prácticamente todas las alas del edificio, he subido a los campanarios y he bajado a las criptas. He entrado a zonas prohibidas a escondidas y he fastidiado con relatos herejes a las ancianitas de la Sacristía. Me burlé del coro fingiendo que no me impresionaba en lo más profundo y envidié entonces a todos los feligreses y los creyentes.

Las iglesias antiguas gozan de una magia que rara vez las construcciones modernas logran asimilar. Los juegos de luz, como las posiciones estratégicas de los santos, ahí donde a cierta hora los ventanales direccionan al sol sobre los ídolos de yeso, parecen milagrosos. Uno realmente no se imagina a los albañiles planeando y construyendo algo tan majestuoso. Se le da por hecho y siempre ha estado ahí simplemente. 

Yo no soy lo que se dice, una buena creyente. He dudado de la existencia del Cielo en mil ocasiones, he tuteado a los dioses y he faltado a todos mis votos. He pecado, y pecado con placer mundano, he maldecido y probablemente lo seguiré haciendo. Soy una derrochadora de fe terrible que cree que el Cielo la quiere simplemente porque ha tenido demasiada suerte en su vida. Toda una idiota... una muy fiel idiota, he de reconocer.

La iglesias son bellísimas. La Enseñanza es de mis favoritas: pequeña, compacta, pia y preciosa como debe de ser una mujer según ciertos estándares. 

Las iglesias son mágicas donde, en épocas de oscuridad, los hombres se refugiaba en la fe, ciega o no, cierta o falsa, buscando la paz y la satisfacción. Uno sufre y está bien sufrir, nos dice ella. Nos convence, nos seduce y llama. Construye edificios enormes donde sientes en cuerpo tu propia insignificancia. ¿Qué eres al lado de un pilar enorme de veinte metros?, absolutamente nada. pero estás a salvo, rodeado de buenas personas en un lugar precioso, lleno de esculturillas y adornos acá y allá, rodeado de pinturas delicadas y antiguas, de oro y piedra fría. Una iglesia es enorme, nos cubre del sol y del frío, nos obliga a sentir paz y nos la despoja en el umbral al salir. Es como una madre chantajista que en brazos te ama y libre te sufre.

Podrán estar podridas, podrán no tener pinturas ni techos, ni siquiera suelos, pero no dejan de ser tierra santa. En alguna ocasión, visitando Nayarit, sobre un cerro se hallaban las ruinas de una iglesia. Un suelo sin techo, arcos y arcos altísimos, piedra rosada y paredes carcomidas, húmedas, llenas de musgo. Un área totalmente invadida por la naturaleza donde, curiosamente, no había animales. Y yo sentía la paz en mí. El suelo mismo me recordaba que ahí los hombres mandaban al abismo toda incertidumbre que cruzase su cabeza. No había altar ni padre ni oración alguna. Pero seguía siendo EL lugar.

¿Por qué fotografiar edificios antiguos como las iglesias? porque me hablan del espíritu del hombre como ningún libro puede. Lo siento en mi piel al cruzar el portón.

Es una lástima que esta pasión no se refleje en mis fotos, ya que es totalmente verídica. La sufro a mi manera, pues sé hay ciertos recovecos que mis ojos no alcanzarán jamás. Pero aún así quisiera que alguien la viera. 

Yo colecciono iglesias, me pierdo en ellas como quien se diluye en mezcal. No, esto no es una teoría de la Fotografía. No, esto no justifica mi proyecto. Nada importan las formas geométricas casi perfectas de su arquitectura o los puntos de fuga que podrían lograrse con la cámara. Nadie menciona el papel de la luz en estos edificios ni los rostros de los creyentes que, creo yo, valen la pena el retratarse. Sin embargo, es lo que quise hacer.

Tienen su magia, su misterio, como una mujer hermosa cubierta del rostro por una pañoleta. 

¿Por qué quiero fotografiar iglesias?, por eso. No tiene mucho sentido, pero justo así es el espíritu humano. Justo así son sus pasiones acomedidas.

-Ana C.C.

Roland Barthes: la Cámara Lúcida y la imagen mortuoria. Verdades y falsedades en palabras mías.

Poco puedo decir de este libro que no se haya dicho antes. Casi nada me queda más que retratar lo que fue mi experiencia personal con él en las manos.

Intentaré no ser tan optimista como suelo serlo, el escrito me llegó a lo profundo.

Se trata de un libro repetitivo, profundamente emotivo, altamente expresivo y bastante reflexivo. Tiene tintes de sufrimiento, está empapado en melancolía pura, en la tristeza de quién acaba de perder algo realmente importante. Su madre, en este caso.

Habla de varias cosas, de mentiras y verdades. La fotografía puede, en opinión mía y emparentándome un poquito con lo que dice el libro, ser considerada una mentira. Los sujetos, objetos y situaciones ahí expuestas no son del todo reales. Los sujetos (humanos) al enfrentarse con la cámara, adoptan una pose idealizada de sí mismos y la imagen queda reflejada. Por este lado podría ser considerada falsa, pues ninguna de esas situaciones, lugares o emociones volverán a repetirse. Los hombres no pisan la tierra de la misma forma todos los días ni la hojarasca se acomoda por colores.

Sin embargo, esto no quiere decir que se trate de una falsedad total. Los objetos que aparecen en la imagen, se encuentran ahí, de una u otra forma. Eso es un hecho.

 El espectador, haciéndose de toda la base de su memoria, interpretará a placer la imagen con relación a sí mismo y le otorgará un significado. Así, la mentira transmutará y variará de individuo a individuo y la imagen creada recorrerá los pasajes de la mente colectiva.

Pero no todas las fotos son así, me gusta pensar, y son precisamente aquellas impresas con emotividad real las que impactan, las que recordamos.

Fijamos la vista en la belleza de su totalidad o en la sutileza de algún punto en específico (en collar de la bella dama), relacionamos su interpretación y la confundimos con su intencionalidad y su significado. Hilamos la fotografía (como modo representativo) con la vida fuera de las pantallas, en las calles y más allá de las propagandas, con los hechos (apuesto a que los niños africanos no se ven igual de infelices todos los días).

Los hombres relacionan la imagen con aquello directamente real aunque de ello no se trate. Nos gusta pensar que las modelos tienen la piel así de tersa y los cuerpos así de bellos. No, ellas no tienen ojeras.

Nos gusta pensar que la vida es tan horrible o tan bella como las imágenes lo muestran. Nos une, nos divide… y nos hiere.

Todos pueden entender el libro de Barthes. Todos hemos perdido a alguien, así sea el pececito de cuando éramos niños. Y sufrimos.

Las fotos de aquellos que han fallecido son muestra de esto que él llama una falsedad (por así plantearlo), pues esta persona ya no se encuentra entre nosotros. No camina, no respira… no tiene calor ni pulso. Pero ahí está, existe en las imágenes, un referente directo de un pasado inalcanzable, de una imposibilidad dolorosa.

Incluso yo conservo imágenes que de verlas me brotan las lágrimas. Ver sus figuras ahí, de cuando aún andaban, es recordar su inolvidable, inevitable ausencia. Es recordar que ellos se fueron y nosotros también lo haremos. Seremos causantes directos de sufrimiento ajeno y finalmente recuerdos olvidados.

Sí, la fotografía es una mentira. Sí, la fotografía es un referente a le verdad, un eterno momento, un memorándum horrible… y bello.

Sí, la fotografía puede generar muchas cosas. Hace falta tiempo para sonreír al ver la imagen de alguien fallecido. Toma valor el recordar lo bueno en vez de lo malo y comenzar a darnos cuenta de que, aunque no están algo nos dejaron y de su existencia dejaron huellas las imágenes.

Barthes estaba demasiado débil, demasiado susceptible en el momento de escribir el libro. Apuesto a que lloró demasiadas veces sobre el teclado, se volteaba a frotarse los ojos mientras se arrancaba el valor para continuar. ¡Oh!, cuánto sufrimos los mortales.

Un escrito emotivo y a la vez analítico. El estudio nacido de una situación dolorosa para la cual la interpretación de la información representaba un escape al dolor, una bella chimenea. Buscaremos siempre razones a las situaciones, pues pensamos que conociendo un poco más de ellas dejarán de doler. Y no es cierto.

El escrito trata una realidad emotiva muy propia del arte. De otra forma no sería importante el pasar por él para entender a fondo el potencial expresivo de la fotografía. ¿Quién mejor que un fotógrafo herido para explicarlo?, no existe nada más emotivo que éso. Nada. (Las mejores obras son producto del desamor)

Me deja pensando. Me sucede algo similar, aunque no de iguales magnitudes. Sí, yo también conservo ese tipo de imágenes y sí, sufro al verlas. No lo entiendo. Están pero no están.

Me obliga a reflexionar. ¿Qué clase de cosas puedo transmitirle al público por medio de una imagen?, ¿qué impacto tendrá?, ¿me gustaría hacerlos reír o llorar?, ¿qué busco al expresar algo?, ¿realmente quiero que sepan?, sí… ¿por qué?

¡Qué desborden los sentimientos ajenos!, que se diluyan como los lamentos y los ríos. Todos merecemos recordar y hacer que otros lo hagan. Es la única forma de no ser olvidados. Creo.

Si las imágenes son heridas, si las fotografías son mentiras y retratos de pasados y futuros decesos, si nosotros enriquecemos al arte de la fotografía y ella a nosotros, si nos da vida y nos anima, si nos hiere y nos causa sufrimiento de la misma manera que trae de vuelta recuerdos bellos; si es algo de un impacto tan fuerte, ¿cómo debo de encararla?, ¿a quién voy a herir?, ¿al público o tal vez… a mí?

No sé qué pensar, me dejó herida a la deriva.

Lo recomiendo, sí, ha de leerse bajo riesgo propio. Existe el peligro de experimentar sufrimiento de lectores, pero fuera de eso… nada. Absolutamente nada.

-Ana C.C.

Un ganador del premio Hasselblad, de Fotografía: Hiroshi Hamaya.

Según la página oficial del premio Hasselblad, este reconocimiento se le otorga a algún fotógrafo que durante su trayectoria artística ha hecho avances y descubrimientos en el campo de la fotografía artística, teniendo un impacto en generaciones posteriores de jóvenes fotógrafos, que ha realizado exhibiciones significativas en varios países y que suma a sus méritos el continuar creciendo artísticamente.

Cada año, el comité del premio selecciona a cinco fotógrafos experimentados o estudiantes que cumplen con los requisitos y en marzo 8 se anuncia al ganador del año. Se le premia durante una ceremonia varios meses después, en la que se le otorgan una medalla, un premio en efectivo y un diploma. El Centro Hasselblad entonces abre sus puertas con una exhibición del artista ganador.

En el caso de la exposición montada en 1987, se trató del fotógrafo japonés Hiroshi Hamaya, cuya obra comenzó, no con estudios o academias, sino como una cámara que le regalaron teniendo quince años. Así, sus primeras fotografías fueron aquellas de las reconstrucciones de los barrios devastados por el terremoto de 1923 que asoló la región de Kantou en Japón.

A los dieciocho, trabajó a la par de sus estudios como fotógrafo para una empresa aeronáutica mientras contribuía como ‘freelance’ para empresas publicitarias,  y pocos años después, se convirtió en fotógrafo independiente. A través de su vida, recorrió Japón por aquellas zonas pobladas únicamente por pequeños asentamientos rurales, pueblos pequeños y alejados de las grandes ciudades, documentando aquellas peculiaridades regionales y costumbres locales de las costas. Pasando por China y Manchuria antes de la invasión japonesa durante la segunda guerra mundial, y regresando a su país natal para continuar con sus proyectos, dándole a su quehacer una dirección más etnológica y humanística, alejada un tanto del periodismo y acercada otro tanto al arte.

Así, durante las disputas culturales de Japón con Estados Unidos, él presentó una posición pacifista y con ella, una nueva exposición. Creía fielmente en la unión del hombre con el suelo que habitaba por su experiencia como documentalista de zonas poco pobladas. Notaba las diferencias entre los pobladores afirmando que, conociendo bien sus tierras, se podía entender a las personas mismas.  

Sus obras no tenían una intensión artística como tal, aunque la visión estética es característica de las culturas orientales por sí misma. Se podría decir, entonces, que de alguna manera su arte es arte sin querer, aunque no por eso sucede ser menos importante.  Me gusta su obra y la manera en la que captura los malviajes y desventajas naturales de los hombres y sus hogares.

Tiene la “ventaja” de la imagen monocromática, que nos obliga a pensar, a discernir. Los colores nos hacen soñar mientras que el blanco y negro nos invita a pensar, a sentir. Y bajo ello, cualquier imagen que muestre la idea es buena mientras se exponga adecuadamente. Él no intenta concientizar, más me da la impresión de que simplemente quiere recordar.

No tomó las imágenes pensando en quién las iba a ver, sino pensando en documentar, en dejar huella de lo que presenciaba. Después, con sus libros de fotos y exposiciones, fue capaz de masificar aquellas fotografías que consideró eran las más tangibles y así el mensaje se extendió. No quería decir nada, no pedía ayuda ni consciencia. Eso vino después por sí mismo, en las cabezas del público que relacionaba las imágenes con las situaciones. Él simplemente pretendía mostrar sus hallazgos y capturar la mirada por la que los observó.

En alguna ocasión anterior publiqué que el arte no es tan impactante sin un contexto. Es por eso que aquí hago nota de su biografía, para cerrar el círculo de información, el ciclo de relación y pensamiento.

Es curioso… al ver sus fotografías detenidamente, al analizar lo que sucede dentro de ellas con detenimiento e intentando enfriar mi cabeza, no veo una inmensa tristeza o una enorme miseria. Esa sensación la aporta mi cabeza por sí sola al relacionar las imágenes con situaciones de las que me he enterado donde la gente no es feliz a falta de recursos y presa de las inclemencias del clima y las enfermedades. No tengo un indicio real de que esas personas fuesen desdichadas más que el dejo de las imágenes de Hiroshi. Es ese aire, la nostalgia con las que la toma, las que las vuelve tan terriblemente cautivadoras.

No me lo imagino tiritando de frío con la cámara en mano tomando fotos de la nieve. “Tengo que dejar constancia de la vida de estas mujeres…”

No me lo imagino deambulando por las montañas y las costas fotografiando niños y cercas. Pero lo siento, puedo percibirlo.

Su relación con los hombres se siente mucho más real en comparación con aquella de los fotógrafos que hasta el día de hoy he revisado. Siempre he tenido un gusto por lo oriental debido a mis estudios de lenguas y costumbres durante la preparatoria, es por eso que en primera instancia me sentí inclinada a investigarlo a él en vez de centrarme en los demás. Me sabe más humano, supongo, aunque eso es puro prejuicio mío.

Poco queda decir sino que me gusta su obra y definitivamente fantaseo imaginando su vida, sus viajes. Cualquier hombre con la gentileza de documentar, de tratar con los locales sean de donde sean, de viajar y de aventurarse a conocer en pro del saber es, en opinión mía, un ser valiente, maravilloso. Un terrible soñador.

La imagen transmite sin querer transmitir a veces y en ciertos casos, sólo en ciertos casos, es el espectador el autor real de las emociones que emanan las fotografías.

-Ana C.C.

Referencias:

http://www.hasselbladfoundation.org/wp/21135-2/?lang=en&lang=en

https://es.wikipedia.org/wiki/Hiroshi_Hamaya

*Imágenes en:

https://www.google.com.mx/search?q=1987+Hiroshi+Hamaya&es_sm=122&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ved=0CDIQsARqFQoTCLnOsOXuycgCFYHzHgodn8cKfg

http://www.michaelhoppengallery.com/artists/125-hiroshi-hamaya/overview/

Fontcuberta, Meyer, y la Hiperfotografía según Ritchin.

Pasado el temible libro de Ritchin, una comienza a preguntarse acerca del tornar de este terrible, terrible mundo.

¿Nos comeremos los unos a los otros en pixeles o nos devorarán antes las grandes empresas de hombres sin rostros?, de una u otra manera sufriremos sin darnos cuenta y nos arrastrará la corriente porque puede ser muy fuerte para resistirla… ¿O no?

Tal vez no. No si aprendo a nadar.

Pedro Meyer.

Haciéndome de la bella tarea, busqué por internet imágenes de su obra, las series de Meyer. Soy de la opinión de que la obra debe de hablar por sí misma, pero acertando a opiniones de mi asesora número uno, me he dado cuenta de que el arte (y cualquier cosa) carece de significado, sentido y razón sin un contexto. No existe obra o ser que se halle fuera de él, adelantado a él o lejos.

Así bien, revisé algo de su biografía y otro tanto de sus creaciones. A comparación de Miller (tampoco tengo tantas referencias), sus obras parecen estar demasiado empapadas de él. Como si se trozara con el carrete. Son melancólicas y hermosas a pensar de ser, en algunos casos, grotescas o demasiado crudas. Encontró la manera de engastar belleza y realidad. No parecen hechos, sino sueños o retazos de sueños.

Me gustan sus fotografías, la que pude ver bajando por la barra de Google. Y a pesar de que es básicamente un artista análogo, puesto que toda su obra se encuentra digitalizada para ser parte del dominio público que supone el internet, pasa a ser un creador digital.

“Fotografío para recordar” me hizo trizas. No puedo concebir tanta tristeza en espacios tan pequeños. No sería capaz de preservar tanta agonía, no sólo la de mis seres queridos, sino la mía. Lo veo como un memorándum, un recordatorio para que nada se vaya por el lavamanos. De alguna manera entiendo el desconcierto de ver cómo lo que amamos se deshace y comienza a degradarse hasta desaparecer, y la necesidad de preservarlo para intentar entender y… concebir. Yo misma conservo vestiditos mortuorios de alguien muy importante. Cajas… Pero las imágenes son otra cosa: se trata de una de las primeras informaciones que recibimos desde que venimos a este mundo y una de las más difíciles de olvidar. Recuerdo claramente la sangre escurriendo carretera debajo de algún accidente vehicular que presencié a los siete años.

Supongo que de eso se trataba… de algún pinchazo matinal para olvidar que salió de una pareja para terminar como unidad.

En cuanto a sus montajes, me sorprendo de los contrastes tan vistosos, de colores saturados y vibrantes. El azul resulta irrealmente profundo, casi inconcebible en esta realidad tan provista de colores y tan pobre en exhibiciones públicas. Como otras tantas tonalidades.

Fotos como aquella de la mujer entre los niños Jesús, de las cabezas de cerdo, o de los niños con ojos negros como canicas proponen una mirada a nuestra triste realidad como seres caníbales. No directamente, claro, pues su sutileza se basa en todo el empleo del que fue capaz de la belleza. Por el detalle se graban en los párpados y por el detalle la realidad se vuelve visible. Uno puede perderse en los negros intensos o en las expresiones inocentes y quedarse hasta ahí si no se pone a pensar “¿Qué es?”

Ritchin en su libro “Después de la Fotografía” nos propone precisamente el analizar más allá el mensaje de la obra, sus contenidos y su contexto para entenderla y a sus intenciones. Plantea la hiperfotografía como aquella que interactúa con el espectador haciéndose de ciertos elementos e intentando transmitir un mensaje en concreto.

(Como aquellas de modelos que te insinúan “tienes que ser así o asá y lucir un cuerpo tal y vestirte como cuál…”, acompañadas de alguna marca de ropa o calzado, por ejemplo.)

Se habla de hiperfotografía cuando la imagen ya ha sido modificada para promover ideas consciente y masivamente. En el caso de Meyer, que no tiende a modificar sus imágenes tan drásticamente como lo harían aquellos de publicidad, las ideas van más enfocadas a la concientización y se hace de una estética pura y natural (por lo menos más que la que se promueve hoy en día) para hacerlo. Su acercamiento con seres reales, tangibles, de carne y con identidades, lo vuelve más íntimo en relación al espectador y así la reflexión es totalmente individual, profunda y sensible. Te genera una cierta agitación interior que no puedes sino atender o se esconde en tu cráneo y te escosa hasta obligarte a hacerle caso. Se arraiga de una vez con fiereza a diferencia de aquella pública que se pega por repetición.

¿Es hiperfotografía?, sí, cumple con las características, aunque su enfoque es distinto. Lejos de querernos con ciertas opiniones ya planeadas, nos plantea la posibilidad de la contra o el pro voluntario. Reflexionamos si lo deseamos y si queremos, lo olvidamos. Es totalmente humano, no está mecanizado y mucho menos sabe a labial.

Joan Fontcuberta.

Al igual que con Meyer, repasé su biografía y pasé por su obra digitalmente. Fontcuberta dedicó mucho tiempo al análisis de cambio de paradigmas, de analógicos a digitales; fue premiado con el premio Hasselblad.

Conocer las posibilidades que abre y cierra la nueva era nos ayuda al entendimiento de las implicaciones tecnológicas, sus riesgos, ventajas y desventajas. Es cierto que la velocidad de la información la vuelve accesible, como lo es el hecho de que la posibilidad de ser modificada y redefinida por cualquiera con acceso a ella la vuelve poco verás en varios aspectos. Incluso las imágenes bellísimas de hoy en día son tomadas como composiciones digitales irreales y eso precisamente les resta encanto… básicamente porque somos conscientes de su condición.

Joan se aprovecha de esto obligándonos a creer, modificado los sujetos de las imágenes en un principio, y no las imágenes en producción, en esos pedazos de irrealidad y despertando el imaginario humano más allá del escepticismo natural y de la lógica cotidiana. No, no existen los dragones, pero probablemente él tuvo uno en manos.

La realidad y la ficción son puro humor negro… y de colores.

Fontcuberta, como hombre de pensamiento que es, se divertía jugando con las primeras impresiones que causaban las imágenes. Admitamos que suena genial el vacilar con la percepción forzada y construida de nosotros los comunes. Imágenes que son lo que representan compuestas de más imágenes más pequeñas. Entonces, ¿son o no son?, pues lo son en su conjunto y no lo son en la individualidad. Igual que las sociedades.

Las suyas son hiperfotografías, sí, y con toda la intensión de la masificación. Imágenes pensadas para el espectador que no por eso dejan de ser bellas y cargan consigo un sentido muy alejado de lo vano de la publicidad nociva.

Me gusta su trabajo: es imaginativo, es potencial, es explosivo, es soñador, es infantil, es inmaduro, es anciano y es inteligente. Se necesita cabeza para soñar tanto y aún más cabeza para hacer que el espectador lo haga también.

Él toma fotos no pensando necesariamente en la imagen, sino en sus aplicaciones posteriores. Miles de fotos suyas son desconocidas tal vez por la falta de utilidad que pudo atribuirles.  Y no tienen que ser asombrosas, sino tienen que formar en conjunto algo asombroso. Eso es lo que me sorprende de su trabajo: la mentalidad corpórea, orgánica del todo compuesto por pequeñeces.

Me gusta más como cuentista en imágenes que como pensador serio, pero supongo que no podría serlo sin tener un eje recto y firme del que asirse para continuar.

Sus modificaciones son simples. Simples como las que hace cualquier persona en programas de edición fotográfica, sólo que a otro nivel creativo mucho más profesional.

Y en ese caso, ¿cuál es la diferencia entre ellos, que son artistas, y cualquier fotógrafo que circula sus imágenes por internet?, los conocimientos, las aplicaciones, las intenciones y sus formas. El empleo de la estética y los círculos de divulgación. Los primeros concientizan de formas bellas, brutales y estudiadas. Los segundos placen según sus vanidades un poquito más mundanas.

¿Dónde quedan los estudiosos, los virtuosos y lo creadores en un mundo tan competido, tan globalizado, donde la información viaja más rápido que el sonido y cualquiera puede tener acceso a ella?, en libros y bibliotecas, en conferencias para quien quiera de enterarse de un punto de vista nada desapegado pero sí bien estructurado y estudiado. Quedan ahí, donde sólo pueden ser alcanzados por curiosos y gente con interés.

No es tan difícil encontrarlos si se quiere, lo complicado es asimilar lo que de ellos se entiende y comenzar a aplicar sus descubrimientos y utilidades en beneficio positivo. Uno a uno, como las hormigas de una colonia.

Dicen que el ser humano sería mucho más feliz de darse cuenta su propia insignificancia, porque entonces cobraría más sentido como parte de un todo y sus dificultades pesarían unos gramos menos. ¿Será cierto?, me gustaría pensar que sí. Me hace un poco más libre y no por eso menos importante.

Seríamos mucho más felices si dejásemos de devorarnos, pero nos encanta el sabor a sangre. Amamos los panoramas grises gracias al aburrimiento y no esperamos mas que el final al apagar el televisor.

-Ana C.C.

Muy, pero que muy útiles referencias:

http://www.magis.iteso.mx/content/hoy-todos-somos-fot%C3%B3grafos-pero-con-una-cultura-visual-escasa%E2%80%9D-pedro-meyer

http://www.pedromeyer.com/biography/publica_libros.html

http://ulisesdfotografia.blogspot.mx/2014/09/pedro-meyer-y-joan-fontcuberta-ensayo.html

*Imágenes de Pedro Meyer:

https://www.google.com.mx/search?q=pedro+meyer&es_sm=122&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0CAcQ_AUoAWoVChMIg9LV2L_IyAIVAaA-Ch0mLQyG&biw=1366&bih=643

http://oscarenfotos.com/2014/08/23/postfotografia/

*Imágenes de Joan Fontcuberta:

https://www.google.com.mx/search?q=joan+fontcuberta+herbarium&es_sm=122&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ved=0CBsQsARqFQoTCLK548fcyMgCFcxeHgodAjsCZA&biw=1366&bih=643

Lee Miller: la vida por ambos lados de la lente (y la quesque reseña de exposición)

Tres amigos y yo, como parte de nuestras muy bellas actividades, asistimos el día de hoy a ver una exposición en el Museo de Arte Moderno, en Chapultepec.

Armados con cámaras y demás cosas, esperábamos entrar a la carga con fotos acá y allá como guerrilleros en pleno campo de batalla... pero no fue así. A diferencia de museos como el MuNal o el MUAC, este museo negaba la toma de fotografías dentro de esta exposición en específico (el resto sí era viable), pero se entiende, pues era precisamente una exposición de fotografía.

La sala dispuesta lar dicha exposición era un espacio circular dividido en cinco espacio más pequeños, uno central y cuatro alrededor. 

A la entrada, un estampado en la pared indicaba de qué iba la exposición y revelaba de manera muy fugaz y poco detallada la vida de Lee Miller, sus ocupaciones y el propósito de todo el montaje.

Avanzamos por la derecha observando cada una de las salas: todas contenían pasajes de momentos de su vida (como el inicio de su carrera de modelo, su arranque como fotógrafa solista, su vida en el Cairo, sus corresponsales como fotógrafa de guerra y su retiro, entre otras) resumidos, pero bien relatados de forma que la imaginación compensaba los poco huecos que los escritos dejaban. A su alrededor, se exponían fotografías con fichas a un costado indicando el nombre de la fotografía y el material en el que estaba impresa. Cada división tendría tal vez veinte fotos, calculo yo. 

En las notas se podían leer pasajes acerca de sus amistades con Erns o Picasso, por ejemplo. De su vida amorosa, un poco de su familia y otro tanto de su visión. Se habla mucho de su surrealismo (que admitamos, sí tiene, cada foto da un aire soñador, como inmerso en la fantasía de mundos particulares y misteriosos), pero las exaltaciones de las mismas notas podían incluso llegar a sobrar en ocasiones, pues era obvio que predisponían al espectador y esto a su vez, causaba un choque muy fuerte con la obra. De ahí en fuera, supongo que los pasajes de su vida no salieron sobrando en su gran mayoría, pues aportaban referencias y explicaciones bastante buenas a las colecciones de fotografías acomodadas cronológicamente en las salas.

Sus cambios de ambiente, de parecer y de humor se reflejan bastante bien en sus obras. Hay varias que me agradaron bastante y dos que me dieron risa (aquellas tomadas en la bañera de Hittler), otras que creí falsas, tal vez por mi propia concepción de la realidad (como aquellas de los cadáveres en los campos de concentración), mientras que una me perturbó bastante (la del niño muriendo). Aquellas surrealistas, como la de la cabeza en la campana de cristal, me parecieron buen material para una película de suspenso. Y otras, como la del desnudo femenino hacia el frente, asemejaban a objetos distintos; esa, por ejemplo, se me figuró en primera instancia a una muela en una radiografía.

Hubo cosas que me sorprendieron, como sus fotografías expuestas al sol: el efecto que tomaban era realmente extraño. Las sombras en la imagen daban la total apariencia de tridimensionalidad, mientras que el recalcado oscuro de los alrededores y los contornos gruesos la hacían parecer plana. Era un contraste muy fuerte, un efecto muy llamativo.Me agradó.

Por otro lado, la exposición, si bien habla de ella y de su vida, fue conformada por otros personajes que en ella aparecían. Parejas y amigos. Relatan sus imágenes su vida tan simple y tan compleja a veces que el cambio producido de la paz a la guerra es brutal. Supongo que esa era la idea de ordenar así los revelados.

Como fotógrafa y modelo, era una mujer audaz e inquieta (o eso me imagino yo), sus imágenes son tan terriblemente humanas y puras que no me dejan sino pensar que la mayoría se tomaron llenas de pasión. Cada una tiene un pedacito de alma propia. Así, las salas parecen salones de reuniones; de ésos donde los caballeros se sientan a charlar. Las imágenes conversan entre sí y nosotros como espectadores no tuvimos sino que pasar entre ellas para entender lo qué decían. No cuesta demasiado trabajo averiguarlo.

Para el ojo común podría parecer una exposición aburrida. Para el ojo curioso es mucho más que eso. ¿Recomendaría la visita?, sí, porque de la pretensión del artista ella no posee nada. Es como hablar con una conocida de vista y no sentirse incómodo o anonadado, sino de alguna manera bienvenido. Es impresionante la vida que llegan a tener algunas personas, y definitivamente ella fue una de ellos. Seguramente vivió muchas más aventuras de las que se relatan abiertamente y ésas de las que nadie habla, son las que quisiera averiguar. Me hace pensar que, de tener una vida así de ajetreada, tal vez valga mucho la pena dedicarle más tiempo del requerido a tomar fotografías. No sé, quién sabe si en alguna de esas acabo por vivir una historia emocionante también.

No suena a tan mala idea, creo...

-Ana C.C.

 

(Y para que vean que no miento y que sí fui, aquí está el boletito)

Fred Ritchin, Después de la Fotografía: una tristemente cercana realidad.

Para este mes se nos indicó leer este libro para darnos una idea del impacto social de las tecnologías nuevas, que nos permiten modificar a placer cualquier tipo de información, ya sea acústica, visual o lingüística.

Sea desde la edición y divulgación de un texto, hasta la circulación de una imagen un tanto falsa (o bien, editada) que apoye o deshaga los paradigmas humanos, prejuicios o estereotipos, pareciese que los hombres no hacen sino quejarse, manifestar su existencia a partir de contenidos cada vez más impactantes e impersonales. Me explico: estamos tan poco relacionados hoy en día con el resto de las personas que nuestra ausencia es realmente obvia.

Lo sabrán nuestras madres y abuelas, que conocen a sus vecinos.

La narrativa es clara, concisa y veloz. Se asemeja a aquella de un periodista escribiendo sus memorias, a la de un hombre en medio de un monólogo introspectivo y a aquella de una mujer histérica con doctorado. Pareciera poseer demasiada información bien estructurada, pero poco aliento, poco tiempo, poco espacio. El tema es claro: los cambios humanos como producto del avance tecnológico y nuestra degradación. Lo que no logro especificar es la postura del autor, pues deja entrever que se encuentra en contra de lo que describe (entre líneas), aunque apegándonos sin deducción al texto, se mantiene imparcial.

Es un libro de lenta lectura que emplea muchísimos ejemplos para dejar en claro las distintas vertientes de las que habla con relación a la fotografía y a las nuevas tecnologías en general (como la ley referente a la pornografía infantil en USA o  la edición de una de las portadas de la revista National Geograophic hecha para cambiar el ángulo, por ejemplo), los explica y relaciona directamente con la narrativa. Son tantos que en cada página se pueden encontrar referencias a hechos, investigaciones, personajes y demás cosas externas.

Altamente reflexivo, filosófico, refleja el deseo humano de escapar de una realidad demasiado dura para enfrentar, y de las tretas de los medios y grandes corporaciones para facilitarnos la tarea y de paso aprovecharse de ella.

Como el narrador lo retrata, el mundo cambia y nosotros con él. Aquellos que vivimos este descontrolado avance científico e informático somos sólo capaces de imaginar el impacto futuro que tendrán las acciones presentes. Serán las siguientes generaciones, aquellas que nacen con el mundo como lo dejamos, las que corroborarán o corregirán nuestras sospechas.

Concuerdo en muchos aspectos con el narrador, aunque no en todos. El libro me sabe demasiado alarmista, me deja aterrada al pensar en lo que podría pasar en un futuro con los seres humanos en relación con la tecnología y no puedo sino pensar que no vamos a mejorar. Nos hemos desintegrado.

La tecnología, hoy en una era digital donde el ver no aplica al creer (hablando de imágenes que bien pudieron ser creadas), nos deshumaniza. Reemplazamos nuestras relaciones físicas por relaciones de pixeles en un celular, vivimos enajenados en un aparatito (últimamente no tan aparatito) sintiéndonos populares, conocidos y cercanos en lugar de realmente convivir con la humanidad a nuestro alrededor. La tecnología, aunque aparente reducir la distancia física entre las personas, en opinión mía no hace sino aumentarla. Uno se embriaga en el internet, en la televisión, y sin querer termina por alejar a los demás o persuadirlos a enajenarse también. A fin de cuentas la convivencia familiar se ha cambiado por una hora en la que todos se sientan frente a la pantalla a decidir qué canal mirar en lugar de hablar de las clases de los niños en la escuela o de los asuntos en el trabajo.

No digo que la tecnología sea mala o inhumana, pero su abuso, la invasión que supone, deshumaniza a los hombres, los convierte en números, en estadísticas de ventas, en cifras desechables, calculables y generalizadas. Es perfecta para la difusión de la información, pero es su propia maleabilidad la que hace de la información algo poco creíble hoy en día. Un milagro no necesita más explicación a sí mismo que su existencia, mientras que un descubrimiento actual, algo considerado un milagro en el pasado, necesita de mil pruebas, de testimonios objetivos e impersonales para serlo bajo la pretensión de la universalidad.

No, la tecnología no es mala. Es su invasión a la privacidad la que la vuelve tan perniciosa. Cuando todo se vuelve tan público y accesible, los objetos (fotografías, personas, lugares, etc.) dejan de pertenecer al origen. Una habitación fotografiada y subida a la red ya no le pertenece del todo a quien la habita, sino a quien la ve y la modifica, como los memes en Facebook. Cuando ya no queda un espacio privado, personal donde habitar, donde nadie moleste; cuando nos dejamos llevar por las redes informáticas y nos vemos arrastrados sin resistencia en el flujo de los medios, entonces, perdemos un cachito de humanidad, pues ya no somos dueños de nosotros mismos (no del todo) ni de lo que nos rodea. Ahora hay una relación pública con todo y parecemos uniformarnos con el resto del mundo. ¿Dónde quedamos como individuales, como seres humanos, como personales reales, tangibles, entonces?

…En varios millones de pixeles, en alguna estadística de compra-venta, entre las líneas negras de un código de barras…

En general cualquier cosa que signifique capturar algún ser/espacio/escenario vivo, no puede ser del todo buena.

El hombre se redefine como un ser altamente comunicativo (en varias plataformas y lenguajes) que tiene la necesidad psicológica de atención crecida. La expansión informática borra los límites morales tanto como las barreras fronterizas. Es ahí, en el lugar digital donde residimos y perdemos los rincones que nos pertenecen, que empieza la depravación.

En mi opinión, la función fundamental del libro, con toda su palabrería y sus mil ejemplos, no es otra sino de informar. Te obliga, por medio de la repetición de conceptos, de la imposición de ejemplos (hechos) cortos y concisos a creer en lo que describe. Tiene un aire desesperado, como si el futuro lo alcanzara antes de que el lector llegase a leerlo. Te hace creer en él al punto en el que no tienes de otra sino reflexionar y poner resistencia al flujo de los medios que utilizan las nuevas tecnologías a su conveniencia, o de aquellas minorías que buscan enganchar con cualquier tipo de información impactante a las masas.

El libro te dice “¡detente!, piensa: ¿qué estás haciendo?”, y lo haces. Yo lo hice.

Es una buena lectura, ciertamente, algo tediosa para mi gusto. No sabría si recomendarla o no, aunque moralmente me siento un tanto obligada a hacerlo. Es importante que el resto de las personas piensen y reflexionen acerca de lo rápido que se está moviendo el mundo y de lo mecánicos que nos estamos volviendo. Deberían si desean cambiar algo.

Pero, claro, esta es sólo mi opinión.

-Ana, C.C.

El inicio de la independencia fotográfica

Durante alguna entrada anterior hablé de Cartier Bresson, un fotógrafo atrapado dentro de su cámara que prefería mantener vírgenes e intactas las fotografías que tomaba, buenas, malas o regulares, pues estaban en su estado más puro. 

Para ese entonces la fotografía terminaba ya de conformarse como un arte independiente de la pintura o cualquier otro arte visual, pero antes de ello, se apegaba tanto como pudiese a éste e incluso lo imitaba.

Durante la plática del viernes pasado en el aula SUM se nos habló un tanto de eso. El ponente era un profesor un tanto mayor muy agradable, con facilidad de palabra y carisma. Estaba especializado, según comentó, en fotografía estadounidense antigua, digamos, principios del siglo XX. 

La charla duró alrededor de dos horas en las que trató la evolución de la fotografía, desde su finalidad intencional, su apego a la pintura y su desapego, aunque esto último sólo lo habló de pasada. Se enfocó más a la fotografía antigua y la belleza de esta, habló de algunas de las ventajas y muchas desventajas de ésta y de los aún así bellos efectos que lograban. Por supuesto, mencionó que algunos autores no tenían la intención de hacer sus imágenes brillar por ser fotografías, sino por ser imágenes similares a las pinturas, aunque tocó algunos que ya comenzaban a separarse y a crear por su lado. 

Se hablaba ya de la belleza de ésta por sí misma y sus efectos como algo distinto te la pintura, aunque parecía apegarse a ella tanto como le fuese posible. Tal era la visión de la época. 

Nos pasó una serie de imágenes de la época, en opinión mía, bellas, que retrataban paisajes comunes, lugares de paso, calles nevadas y marcadas por las carretas y automóviles clásicos. Algunas otras de modelos desnudas, que posaban para fotógrafos pintores en una sola sesión lo que, sin la cámara, tendrían que posar en varias sesiones. Otras tantas de bosques brumosos, de casas y personas que tenían en ellas un aire nostálgico, misterioso y bello. 

La mayoría se trataba de imágenes que hacía surgir preguntas, fragmentos de historias no escritas que permitían al espectador hacerle de autor y narrador en lo que suponía ser su continuación. Era cierto, asemejaban a la pintura suave y tallada clásica con la diferencia de la nostalgia, del misterio, del encanto de éstas y de saber que los paisajes y personas y árboles que ahí aparecían, alguna vez vivieron, existieron y respiraron.

Contenían precisamente esa chispa viva que caracteriza a la fotografía y que con frecuencia se apaga en la pintura, he de reconocerlo. En ese aspecto, la captura de imágenes sucede palpitar más que la imitación de figuras. Hablando de la eternalización de la realidad, la fotografía parece ganarle al resto de las artes y con creces. No hay de otra.

Las imágenes que se nos expusieron tenían ese pedacito de alma absorbido dentro de sí más allá del resto que queda fuera una vez movilizado el modelo. La imagen resultante tiene vida, un espíritu viejo y enigmático, un niño juguetón y travieso o una amante de labios rojos. Un poco de cada uno.

La guía del exponente, si bien útil, a veces salía sobrando: las imágenes hablaban solas y él lo sabía. Claro que su tarea era más bien darnos referencias históricas y demás acerca de los adelantos estéticos de este arte, pero a veces se abstraía admirando su propia presentación de figuras monocromáticas por su propia, clásica, antigua belleza. Y no lo culpo, claro, me pasó una o dos veces a lo largo del último tramo de la exposición.

No creo ser capaz de transmitir lo que las imágenes que me presentaron el pasado viernes me transmitieron. Como hubo algunas que me causaron una profunda impresión debido a su belleza, hubo otras que no hicieron sino despertar mi indiferencia. Aquel era un contraste muy fuerte entre la intensión de admirar y la necesidad de admirar. No tuve de otra mas que callar y observar intentando seguirle el hilo al ponente. 

No era nada complejo, el hombre era claro y agradable, lo difícil se encontraba del otro lado de la visión, en mi cabeza. 

Fuera de ello, se trató de una plática amena, amable con los oídos, agradable para el cerebro. La exposición resultó llevadera, digerible y sencilla. Muy informativa, pues toda la información la traía ya resumida y simplificada. Seguramente tantísimos años de preparación le permitieron hacer algo como aquello, tan pequeño como puede hacerlo alguien que sabe lo que dice y dice lo que desea. 

Mis felicitaciones al hombre, por ser tan humano en su habla con el público. Sonaba algo nervioso, emocionado como lo está quien habla de un tema que ama, pero bien. 

En esta ocasión no queda sino decir que fue tiempo muy bien empleado. Nada costó el escucharlo con atención. Incluso sus narraciones acerca de los viajes y retratos de pintores fotógrafos resultaron interesantes. 

Me agradó y es todo lo que me queda concluir al respecto.Valió mucho la pena.

-Ana, C.C.

Breve revisión de técnicas impresión fotográfica antiguas.

La evolución de la actividad humana y sus métodos ha acompasado el paso del tiempo y la necesidad del hombre de acelerar y mejorar la calidad de sus procesos y quehaceres. La fotografía, por supuesto, no se vio exenta de dicho pasar incontrolado, y a lo largo de los años ha evolucionado, de impresiones borrosas y un tanto difusas sobre placas, a las imágenes digitales (carentes de la necesidad de impresión) del día de hoy.

Así pues, como parte de este interesante tema, hoy mencionaré algunas técnicas de impresión fotográfica antiguas nada más para tener un poco más de información al respecto. No estarán del todo en orden cronológico por dos razones: muchas de estas técnicas aparecieron simultáneamente, la mayoría son contemporáneas de la segunda mitad del siglo XIX; y sólo planeo hacer descripciones rápidas de ellas, ya que son varias, y hacerlo en dicho orden implicaría un trabajo de investigación más a fondo que bien podría relatar después, para no quedarme sin temas.

Creo que tal vez haga eso…

En fin, he aquí algunas básicas conocidas, para empezar a darnos una idea de cómo llegamos a los métodos de impresión y reproducción fotográfica actual:

*Cianotipia: Inventada por Sir John Hershel en la primera mitad del siglo, esta técnica permitía crear copias azulosas sobre tela, papel, madera, piel, cerámica, entre otras fibras textiles y naturales. Por ser una técnica relativamente económica, pues no necesitaba de químicos tan costosos como el resto de las técnicas de impresión y prescindía del cuarto oscuro. Era para las últimas décadas del siglo XIX una buena opción de impresión y copiado, principalmente usado en la recreación de planos, dibujos, apuntes y material académico en general, con la desventaja de no poder recrear tonos negros (sólo azules) y tender a las altas luces.

El papel de algodón se barnizaba con una sola capa uniforme de la mezcla de las sustancias A (citrato de fierro amoniacal verde y agua destilada) y B (ferrocianuro de potasio) en iguales porciones, para posteriormente exponerse al sol en contacto directo con el negativo durante media hora. Posteriormente se lavaba con agua libre de cloro a 21 grados durante diez minutos para quitar el excedente de sales de hierro y evitar que la imagen se desvaneciese. Después se fijaba en una inmersión de agua oxigenada por cinco minutos, finiquitando así la oxidación de hierro, para luego repetir el proceso de lavado inicial.

*Carbón: A mitades del siglo XIX, en Francia, Louis-Alphonse Poitevin inventó este proceso libre de sales de plata, que se utilizaban principalmente para la creación de retratos e ilustraciones académicas, aunque no fue tan popular como otras técnicas, como las impresiones en albúmina, por ser complejo y caro.

El papel se cubría con gelatinas impregnadas con sales de cromo, pigmentadas con carbón (o cualquier otro color) y sensibilizadas con bicromato de potasio. La hoja se dejaba secar en un lugar oscuro y posteriormente se ponía en contacto directo con el negativo y se exponía a la luz del sol en una prensa. Las zonas expuestas directamente a la luz endurecían manteniendo el pigmento. Posteriormente, el papel se ponía en contacto con una hoja de soporte o transferencia sumergidas en en agua caliente. Las zonas no endurecidas anteriormente se disolvían, el papel carbón se desprendía y la gelatina endurecida se pegaba al papel de transferencia. Una vez hecho esto, se le sumergía en un baño fijador de aluminio y agua para estabilizarlo. Se pasaba la imagen resultante a un lavado de agua fría, se aclaraba con bisulfito de sodio y solidificaba con una solución de formol. La imagen resultante era permanente, raramente se decoloraba o desgastaba y conservaba sus propiedades indefinidamente.

*Calotipo: Antes de terminada la primera mitad del siglo XIX, Talbot presentó ante Westminster una forma solicitando la patente de su nuevo proceso de impresión, que le permitía sacar de un mismo negativo las copias que desease del positivo, solucionando así la problemática de las copias fotográficas de las cuales existía sólo una pieza única. Él propuso la base de lo que suponían ser los principios de la fotografía actual (negativo-positivo).

Se trataba de un papel impregnado de yoduro de potasio y nitrato de plata que se sensibilizaba inmediatamente antes de la fotoexposición con una solución de ácido gálico y más nitrato de plata. La imagen se formaba (apenas visible) tras cinco minutos de exposición y se dejaba secar. El negativo revelado se fijaba con aún más nitrato de plata y ácido gálico, y de él se sacaba el positivo poniendo el contacto otra hoja ya preparada y repitiendo el proceso. Así, de un mismo negativo se podían sacar gran número de copias de gran fidelidad.

*Daguerrotipo: para este proceso, el fotógrafo utilizaba una placa de cobre galvanizado con plata pulida hasta la claridad de un espejo, para después exponerla a vapores de yodo (que la tornaban dorada) con el fin de hacerla fotosensible. Luego se colocaba en el interior de la cámara, evitando ser tocada antes por la luz, para finalmente exponerla y que ésta adquiriera una imagen.

A la hora del revelado, se le pasaba por vapores de mercurio, que se fijaban a la placa creando una membrana blanca de mercurio y plata. A la imagen que aparecía se le fijaba con una solución caliente de cloruro de sodio (o sea sal común) y posteriormente con hiposulfito sódico, para después lavarla y secarla para retirar el excedente de yoduro de plata. Posteriormente, se le sellaba en un paquete daguerriano, que consistía colocar la placa entre un trozo de papel engomado y un cristal para evitar que agentes externos la oxidaran y así se perdiese la imagen.

Éste tipo de procesos, además de ser complejos y tóxicos debidos al tipo de químicos requeridos para su fabricación, resultaban limitantes en cuanto a usos, en principio, porque los largos tiempos de exposición (de un cuarto a media hora); y en segunda porque la imagen resultante era única y raramente se podía conseguir una copia de ella.

Fue inventado en 1839 por Louis Jacques Mandé Daguerre en Fracina, y se mantuvo en uso hasta 1860.

*Ambriotipo: Este método copiaba en su base al daguerrotipo, reemplazando la base metálica por una de cristal, donde la imagen se formaba sobre una solución de algodón y ácidos nítrico y sulfúrico en éter, sensibilizados con plata. Básicamente presentaba las mismas limitaciones y usos que el daguerrotipo, por lo cual se fue al declive en 1865, quince años después de iniciado.

*Ferrotipo/tintype: Similar al daguerrotipo, la imagen se fijaba sobre una placa de hierro en vez de una cobre, se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata anterior a su exposición en la cámara, resultando en un negativo químico con apariencia de positivo debido a su barnizado con tinta japonesa y a la placa negra. Fue inventada por el profesor Adolph Alexandre Martin.

*Colodión: consistía en el uso de filamentos de algodón en alcohol y éter como conductores de sales de plata para sensibilizar el cristal. Producía negativos de calidad y permitía menores tiempos de exposición con la desventaja de que, en su variante húmeda, la placa sensibilizada debía de utilizarse de manera inmediata para lograr capturar la imagen, lo que la volvía sumamente inconveniente para los fotógrafos, que se veían forzados a cargar consigo tiendas de campaña a modo de sala oscura provisional y laboratorio ambulante.

En su versión seca, la placa de colodión húmedo se cubría con gelatina o goma tras pasar por el proceso químico fotosensibilizador. De esta manera, se conservaba hasta por seis meses retrasando el efecto inmediato del colodión seco a cambio de un menor contraste de claroscuros en las imágenes. Se podían barnizar, aunque las sustancias químicas que conformaban la imagen solían reaccionar con aquellas del barniz resultando en la desaparición del contenido de la impresión.

*Albúmina: Las hojas de papel se cubrían con claras de huevo batidas a punto de nieve (o sea, hasta tener una consistencia ligera y suave parecida a la del merengue), para después salarlas y sensibilizarlas con nitrato de plata. El papel quedaba brillante y las sales de plata no alcanzaban sus fibras una vez protegido con la capa de albúmina salada.

Esta técnica permitía crear copias de las fotografías. El negativo se ponía en contacto directo con el papel albuminado por medio de una prensa (que el fotógrafo había preparado de antemano al tomar la fotografía) y se dejaba expuesto al sol alrededor de una hora. La pieza final era caneluzca y se tornaba amarillenta con el paso del tiempo. Al craquear la emolución u oxidarse la plata, la imagen se deterioraba.

*Platinotipia: esta técnica era muy parecida a la del copiado fotográfico por albúmina, con la diferencia de que utilizaba sales de platino y no de plata por su estabilidad química, que permitía crear copias más fieles y mejor definidas a pesar de la directa adhesión de los químicos al papel.

Hacía uso de la fotosensibilidad del hierro creando copias a partir de un soporte de cloro-platino potásico y oxalato férrico, para después fijarse con un baño ácido. El principio era el mismo: el negativo se exponía en contacto directo con la hoja ya procesada y el resultado era una reproducción de la imagen fotográfica. Se mantuvo en producción desde finales de 1870 hasta la segunda década del siglo XX.

Nota: con el deseo de producir en las imágenes cierta sensación de profundidad, se adhirieron a las cámaras lentes estereoscópicos que permitieron crear este efecto y así dar paso al principio de las lentes fotográficas actuales.

*Negativos sobre nitrocelulosa: A finales del siglo XIX, George Eastman, pensando que había que superar la etapa de las copias y fotografías con soporte de cristal, produjo los primeros negativos plásticos sensibilizados con gelatina y bromuro de plata. Como material usual, empleaba por soporte plástico el poliéster, y el nitrato, diacetato y triacetato de celulosa.

Este proceso vino a superar la exposición por luz solar y sus inconvenientes en cuanto a iluminación atmosférica debido a que el papel era mucho más sensible a la luz que sus predecesores, por lo cual los tiempos de revelado eran mucho menores e incluso lograban revelarse con luz artificial. Este método fue el principio del papel fotográfico que usamos hoy en día.

*Papel sobre gelatina: La conocida fotografía en blanco y negro usada hasta la fecha. Ésta técnica permite ampliaciones de las imágenes a diferencia de sus predecesoras debido a que el papel fotosensible responde a la luz artificial. Así, el negativo se expone con luz a determinas alturas o distancias en el interior del cuarto oscuro y el tamaño de la imagen puede variar según el tamaño del papel y la nitidez que se desee conseguir. Del negativo se pueden extraer un sinnúmero de copias.

Ya que no necesita la exposición directa a la luz solar, puede revelarse independientemente del clima o la estación del año, indisposiciones de sus antecesores. El papel, compuesto por un soporte de pulpa o madera procesada para formar distintos gramajes, una capa de pigmento blanco de barita y gelatina y otra de bromuro de plata, que es la que crea los contornos y formas al oxidarse, es sumergido tras exponerse en tres soluciones: el revelador (compuesto por alrededor de quince sustancias químicas), ácido acético e hiposulfito de sodio, para después ser bañada en una corriente de agua para retirar los restos químicos y asegurarse de que la imagen no se deteriore.

La imagen expuesta se forma en la capa de gelatina sensibilizada, y puesto que las fibras del papel no resultan visibles, la nitidez resultante supera a aquella de sus predecesoras.

La fotografía a color, que llegó unos años más tarde durante la segunda mitad del siglo XX, desciende de la misma línea diferenciándose en que los colores se creaban primeramente durante la exposición en la máquina reveladora equipada con filtros cromáticos, y en segunda químicamente durante el revelado al hacer reaccionar el papel con el revelador a color. Posteriormente se aplica un blanqueo para eliminar las partículas metálicas. Luego un baño en agua, después uno en fijador (hiposulfito de sodio), otro lavado y más tarde un proceso de estabilización para asegurarse de la mínima decoloración de la imagen, para finalmente pasar al proceso de secado.

Este proceso es el antecesor directo de lo que hoy se conoce como fotografía digital (tema que no trataré debido a que la entrada hablaba de métodos de revelado antiguos), que es la que utilizamos a la fecha.  Como lo veo, la fotografía como tal inicia por ahí de 1840, y hasta hoy han transcurrido un siglo y casi ocho décadas. Ha sido un proceso largo y muy necesario para la documentación gráfica de sucesos y descubrimientos que la pintura o el retrato entorpecían (por así decirlo) debido a su proceso y significancia atribuida. Si bien comenzamos con imágenes en placas metálicas y papel, hoy gozamos de dispositivos minúsculos que guardan una gran cantidad de información, que pueden portar tantas imágenes como se desee y permiten una difusión veloz y sencilla por los medios debido a la red informática.

Cada cosa, cada suceso puede congelarse con objetos tan pequeños como un celular o una cámara de mano, sin la necesidad del costoso aparato que era la cámara en sus inicios. Ya prescindimos (de así desearlo) del cuarto oscuro y podemos movernos directamente a la impresión sin tener que pasar por un proceso químico real. Basta con tender la hoja bajo la impresora y ésta la reproduce en la escala que se necesite. Y con la misma facilidad puede distribuirse por todo el mundo sin tener que existir físicamente.

La evolución hasta este punto ha sido realmente significativa, sumamente veloz, a comparación de otros artilugios, como los carros o las lámparas que necesitaron mucho más tiempo para ser lo que son hoy en día, en mi opinión.

Revisar sus pasos, aunque tedioso, fue un tanto interesante y como datos culturales, resultan buenos. Nunca sobra saber acerca de estas cosas para darse cuenta de cómo es que llegamos a este momento y las penurias que pasaron los inventores del pasado. Te hace pensar que, aunque estás en el pasado de alguien futuro, realmente este presente es una cosa privilegiada que debería de provecharse mejor. Y los adelantos hasta el día de hoy, más que una maravilla, parecen milagros, aquellos que los antiguos en su época soñaron con tener y que existen en nuestras vidas cotidianas como parte de algo simple que ellos alguna vez desearon ver y contribuyeron para crear.

-Ana C.C.

Muy, pero muy útiles referencias:

http://www.fedac.org/fotos-antiguas/técnicas

http://procesosfotograficos.blogspot.mx/

http://ariifoto.blogspot.mx/2012/09/tecnicas-antiguas-de-impresion.html

http://www.digitalfotored.com/fotografia/reveladocolor.htm